Taller moderno

POP ART: el arte del consumismo

¿Qué es y por qué nace el Pop Art?

El Pop Art nació en el siglo XX, éste es un arte político, consciente de la sociedad consumista, elitista y plástica en la que se encuentran después de la Segunda Guerra Mundial. “La tecnología, el ocio, el consumo, la moda, la riqueza, todo fabricado-empaquetado-y listo para venderse” es justo en lo que se basan para romper con todo lo que se creía que era arte y convertirlo en algo diferente. Transforman el arte en otro producto para producir en grandes cantidades y aunque un poco irónico, eso era exactamente su objetivo.

Éste empieza en Londres y Nueva York a mediados de los años 50’s, tras la popularidad de los expresionistas abstractos, re-introducen imágenes que el público reconoce gracias a los medios de comunicación y la cultura popular, como la Coca-Cola por ejemplo y marcó un cambio importantísimo en el arte moderno. Empieza a existir una clase de fascinación por el collage (¡hola Picasso, hola Braque!) y los artistas comienzan a utilizar productos de consumo masivo para una gratificación instantánea, básicamente todo lo que es malo para tu salud, Coca-Cola, postres, snacks, comidas rápidas, etc. Lo cuál significa que los artistas Pop agarran la reproducción industrial y el capitalismo para crear arte reproducible y que todo mundo pueda tener acceso a él: lo ponen en revistas, en periódicos, en la tele, en la calle, posters, en fin, lo podías ver en todos lados.

Materiales y técnicas

Los materiales que usaban era un popurrí y mezcla de TODO. Cuando estos artistas se sentaban a hacer sus obras, mezclaban desde diferentes tipos de pinturas como ceras, oleo, acrílico, hasta usar fotografías e intervenirlas en el proceso.

También podemos ver una variedad de elementos y objetos sobre un bastidor para crear texturas y figuras como nunca antes visto y haciendo de ello una técnica única. El collage y el fotomontaje son técnicas clave para el arte Pop.

Todas estas técnicas y materiales logran crear un estilo personal de cada artista súper cargado y súper evidente y por esto mismo, jamás vamos a ver una obra parecida a la otra. En la galería de abajo les dejo ejemplos de esto con obras de Litchenstein, Rauschenberg y Paolozzi.

"Just What Is It That Makes Today's Homes So Different, So Appealing?"
- Richard Hamilton, 1956

Look Mickey,
Roy Lichtenstein, 1961

Interior II,
Richard Hamilton, 1964

Crying Girl,
Roy Lichtenstein, 1963

Artistas principales del movimiento

Eduardo Paolozzi, el pionero del arte pop.

Cuando nos hablan del arte pop inmediatamente se nos viene a la cabeza Andy Warhol peeeeeero el mero mero, el que empezó todo fue Eduardo Paolozzi, un artista/escultor escocés, hijo de papás Italianos (de ahí el nombre, yo también me saqué de onda cuando vi que era escocés). En fin, este compadre fue el que se hartó de tanta abstracción y quiso regresar a lo figurativo pero dándole un sentido más profundo. El primero en apropiarse de anuncios e imágenes comerciales para hacer obras que representaran un estilo de vida que toooodo mundo quería tener después de tanta guerra e incomprensión social.

El collage de Paolozzi era el espíritu fundamental del arte pop. Él vivía bajo la idea de que la cultura alta y la cultura baja eran la misma cosa y fue así que convenció a la gente que las imágenes de revistas y las botellas de Coca-Cola, eran tan válidas y tan “arte” como todas las obras pintadas al óleo que exhiben en los museos. Su intención y la del arte pop era borrar esta línea que existía entre los dos.

“I Was a Rich Man’s Plaything” la pintura que les enseño aquí arriba, muestra una fascinación por la cultura popular, el consumismo y glamour estadounidense. El mismo título de la obra hace referencia a la famosísima frase de Henry Ford que dice “La historia es una tontería, queremos vivir en el presente” esto habla de cómo Paolozzi quería transformar y llevar el arte a lugares donde nadie había ido antes. La obra es una portada de una revista llamada "Confesiones íntimas", enseñando a una mujer que, según se dice, “esconde sus secretos dentro dentro de ella”, a su costado hay una cereza, refiriéndose a cómo las mujeres son tratadas como comida para la publicidad estadounidense después de la Segunda Guerra Mundial, híjole…

Y finalmente, el "¡pop!" que sale de una pistola, hace referencia a la conexión que hay entre la comunicación publicitaria y la propaganda patriotista. Eduardo Paolozzi, con esta obra, entendió todo.

Andy Warhol, el de la sopa campbell's

Híjole, Andy Warhol es tooooodo un tema para mi porque él siempre dijo y repitió que el quería ser famoso, no artista y ahí encuentro mil y un razones para que no me encante lo que hacía. La diferencia más grande entre Warhol y todos los artistas pop es que él en lugar de enseñarle al mundo “arte e ideas”, él vendía productos de la marca Andy Warhol, convirtiendo el arte en un objeto más que la sociedad podía comprar y consumir.

Tenía mucha experiencia en publicidad “aaaaaah con razón, ya nos hace más sentido todo” y decidió llevarla a este mundo tan complicado para mostrar cosas en consumo de masas como las famosísimas sopa campbell’s, (que hay 32: una de cada ingrediente que había en el mercado) empezó a hacer las Coca-Cola’s y finalmente, personas que también eran productos de consumo, como Marilyn Monroe o Elvis Presley.

La reacción del público fue una locura, la gente le encantaaaaaba este movimiento y más importante: los artistas detrás. La frescura y los nuevos aires que trajo el arte pop era lo que todos necesitaban, incluyendo todavía máaaaas superficialidad haciendo el expresionismo abstracto de lado.

Warhol tenía a un equipo enorme detrás de él, publicistas, comunicológos, gente de mercadotecnia para convertirlo en todo una estrella y funcionó, pues ¡todo mundo lo conocía! Estamos hablando de que fue alguien reconocido más por ser “un personaje” que por su arte o sus ideas. Entonces… ¿​se vale considerarlo como tal?

Es indiscutible que Andy Warhol SI inauguró un renacimiento del arte en épocas modernas, transformó la sociedad y abrió discusiones que antes no se tenían, como por ejemplo: que un artista tenga a todo un equipo que lo promocione.

Robert Rauschenberg

Este personaje fue mundialmente conocido por combinar la pintura con la escultura, haciendo formas y texturas diferentes con objetos no-convencionales como por ejemplo: pantalones pegados a un bastidor, encima de periódicos, encima de una tela y unos paraguas para darle el toque final. ¿A qué nos suena? ¿Tal vez Dada?

¡Siiii! El arte pop tiene matices súper marcadas del Dadaísmo y lo podemos ver con muchos de estos artistas (en el foro de discusión podremos hablar más de esto). De hecho, Rauschenberg consideraba su expresión artística como "Neo-Dada" ¿y cómo no? ¡Lo describe perfecto! Él combinaba lo real (objetos físicos) con lo imaginario (ideas del arte) para crear obras llenas de color e imágenes y es aquí es donde entra en lo "pop". Por ejemplo, tenemos esta obra de aquí al lado llamada Retroactive, 1963 que engloba todo lo que el arte pop hacia referencia: imágenes reproducidas en grandes cantidades, hablar de estrellas importantes, personajes políticos, etc.

Roy Litchenstein, el de las recámaras de caricatura

La obra de Roy Litchenstein funcionaba con el mismo propósito que los demás, el consumismo, la crítica a la sociedad, medios de comunicación, etc, pero lo que lo diferencia de los demás es que el usaba la ironía, snobismo o la superficialidad como ningún otro. Esto de la mano con los puntos benday, que son los puntitos que se utilizaban en los comics o artes gráficas, de colores brillantes, chillones y finalmente, acompañados de onomatopeyas, narrativas de comic, etc.

Se rebela contra el arte abstracto para darle mayor entendimiento a su obra y crear imágenes comerciales que se pudieran producir en masas aunque siempre fueran hechas a mano.

Roy Litchenstein es de mis favoritos porque entre tanta estrella y celebridad, creo que fue el que más mantuvo integrídad en su arte.

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